実存浮遊

幽霊にまつわる映画を立て続けに観て、どちらも深く考えさせられたので、二作品を照らし合わせながら感想を書いてみたいと思いました。
二つの作品から世界の深遠さに触れることができたら成功です。

その二作品とは『若おかみは小学生！』と『ア・ゴースト・ストーリー』です。
前者は日本アニメ映画、後者はアメリカの実写映画です。
まずは共通点や相違点などを考えていきたいと思います。


以下の文章は二作品のネタバレを含みます。未見の方はご注意ください。


■ 「若おかみ」と「ゴースト」の共通点

『若おかみは小学生！』(以下「若おかみ」)は小学生の女の子が交通事故で両親を亡くし、祖母の下で旅館のお手伝いをするお話です。
少年や少女の幽霊が見える主人公は、友情や信頼を学び成長していきます。

『ア・ゴースト・ストーリー』(以下「ゴースト」)は妻を残し交通事故で死んだ夫の視点で物語が進んで行く映画です。
シーツを被った幽霊となった夫が妻の下に居続け、妻が引っ越した後もずっとその場所に居続ける、という内容です。

二作品の共通点は「幽霊はいつもそばに居る」という点です。
「若おかみ」では常に主人公の近くに幽霊が居て、励ましたりお願い事をしてきたりと賑やかです。
成長するに従い幽霊が見えなくなって行く描写は秀逸です。

一方「ゴースト」では誰にも幽霊の存在は見えませんが、夫の幽霊は常に妻の近くにいます。ただし家の中だけです。
妻が家を去るシーンは寂しさが募ります。

日本とアメリカに共通するこの「幽霊はいつもそばに居る」という思想。
日本では「お天道様が見てる」と言い、アメリカでは「神が見てる」と言うでしょう。
大切な存在が近くで見守っている、という考えです。

大切な存在が死んでしまっても遠くに行ってしまったのではなく、会えないけど近くにいる、ということが二作品に描かれています。


■ 「若おかみ」と「ゴースト」の相違点

二作品の相違点は数多くあります。
際立っているのは「時間の概念」と「対話」でしょう。

「若おかみ」は主人公の女の子が成長する物語なので時間の流れはゆっくりです。
いろんな人たちや幽霊たちと対話を重ねて成長していきます。

「ゴースト」は計り知れないほどの時が流れ、そしてもう一度同じ時代に戻ってきます。
そして幽霊は一言も発しません。心霊現象を起こすことで住人が反応しますが、対話とまでは行きませんでした。
幽霊はただ見続けるだけです。


■ ウリ坊とC

ただ見続ける男。それは「若おかみ」にも登場します。
ウリ坊と呼ばれる少年の幽霊です。
彼は数十年前に死亡し、それ以降ずっと好きな女の子のそばに居続けます。
その女の子がおばあちゃんになり旅館を切り盛りしているわけです。
そのおばあちゃんのために主人公を焚き付けたり励ましたりします。

「ゴースト」の幽霊Cはさらにすごいです。
妻が家の柱に隠した紙切れを取り出すために何年も居続けます。
最初は妻のそばで。その後は家主が変わっても、家が取り壊されても、巨大ビルが建っても居続けます。
でのCは紙切れを探せなくなったことに絶望し飛び降り自殺をします。
(この展開が衝撃的でした)

ウリ坊は好きな女の子がウリ坊の死を知らないまま生きていても気にせず、対話できなくてもずっと見守り続けてきました。
Cも、紙切れが探せなくなっても、時間を繰り返してまで探し続けます。

2人の男の愛が切なさを強くします。


■ 大切な人との別れ方

「若おかみ」では主人公の成長とリンクして幽霊が見えなくなっていきます。
子どもの頃は見えていたものが大人になり見えなくなる、というモチーフは様々な作品に描かれています。
なので「若おかみ」を見ている観客は、主人公の成長をしっかりと認識できます。かつての自分のことを思い出し、切なさをを感じながら。

「ゴースト」はどのように別れを描いているでしょうか。
ヒントは隣人の幽霊です。
彼女(声も名前も出ませんが、女性の幽霊としか思えません)は誰かを待っているそうで、誰だったか思い出せないほど時間が過ぎているようです。
その幽霊は「会いたい人にもう会えない」と悟ったことで消滅します。

「ゴースト」のラスト。時間を繰り返すことでようやく妻が残した紙切れを探し出した幽霊Cは、紙を開いた瞬間に消失します。

紙には何が書かれていたのでしょうか。
隣人の幽霊のように寂しい消失だったのか。それとも願いが叶ったからこそ消失できたのか。
死生観や宗教観で捉え方が違いそうで面白いですね。

日本では「成仏する」という考えがあるので、輪廻の環から外れることができたCは、祈願成就の果ての消滅だ、と読み解くことができるでしょう。

アメリカではキリスト教的な「魂は消滅しない」という考えが浸透していると思われます。
ですので最後の消滅は衝撃的だと思います。
魂が消滅するほどの別れだったのかも知れません。


『ア・ゴースト・ストーリー』は時空を超えた切ない別れの物語です。
どんなに素晴らしい芸術を作り遺しても、やがて宇宙は消滅する。

新しい地図の3人稲垣吾郎、草彅剛、香取慎吾の主演映画『クソ野郎と美しき世界』を見ました。
事前情報無しで見たのですが、タイトルからある期待をしていました。
それは「復讐」です。

ですが良い意味で裏切られたと共に、自分の浅ましさを恥じました。
この3人は何も恨んでなどおらず、むしろこの世界の美しさに感謝していました。


以下、作品の内容に触れます。
鑑賞後にお読みください。


鑑賞後僕はすぐにこうつぶやきました。

「『クソ野郎と美しき世界』面白かった。
「失ってこそ得られたものがある」というテーマが込められた4編。
かつて与える側だった者たちが全てを奪われ、他の人たちから与えられることにより再び与える者として歩き出す。
この世界は美しい。クソ野郎どもだからこそ気付ける輝きがある。」


この映画のテーマは「失うことでしか得られない輝き」です。

『ピアニストを撃つな！』ではピアニストの命である手を失います。

『慎吾ちゃんと歌喰いの巻』では歌と絵を失います。

『光へ、航る』では息子と小指を失います。

これら3編を経て全てが『新しい詩』へとつながっていきます。


手を潰されたと思われたピアニスト。実は潰そうとしたヤクザ(大門:浅野忠信)の手が潰れていました。
しかも大門は自ら全ての指を潰すよう部下に命令し続けたのです。

大門は奪う者の象徴でしたが、ピアニストの旋律により奪われる者へと身を投じたのです。
手を失う前の大門と『新しい詩』の大門を見比べれば一目瞭然。失う前がクソ野郎で失った後は輝いています。


『慎吾ちゃんと歌喰いの巻』では、香取慎吾が本人役で登場します。
歌を喰う少女により、香取慎吾は歌と絵を奪われます。
作中では歌を忘れたのではなく自分の中から歌が無くなってしまったと表現されています。
まさに奪われたわけです。

ですが歌と絵がブレンドされたベーグル(？)を食べることでこれまでに無かった歌と絵を獲得します。


『光へ、航る』では、ヤクザを辞めるために小指を失った男(オサム:草彅剛)が登場します。
オサムの元妻(裕子:尾野真千子)は息子の治療費のために美人局で金を稼いでいる。植物状態の息子の右手をある子供に移植しており、その右手の持ち主に会いに行くロードムービーです。

東北まで行くも、古い地図がまったく役に立たず、代わりにスマホで新たな行き先を見つけるのは象徴的でした。


野球選手を夢見ていた息子(航)の右手は沖縄の少女(光)に移植されていました。
息子とキャッチボールをしたことが無かったオサムは、光のおかげで航の右手から投げられたボールを受けることができました。


長々と書きましたが、最初に書いた通りこの映画のテーマは「失ったことでしか得られない輝き」です。
この世界の美しさは何かを奪われた者にこそ強く輝きます。


最後に。
園子温監督は映画『ヒミズ』のラストを原作と変え、主人公を自殺させるのではなく生かしました。そのことについてこう語っています。
「絶望に勝ったんじゃない。希望に負けたのだ」と。

それに対し『ピアニストを撃つな！』で、スクリーンに向かって駆けながら「愛してる！」と叫びまくる姿は、『ヒミズ』のラストを反転させているように感じました。

「希望を失ったんじゃない。絶望に勝ったのだ」と。

体感時間2時間30分。
ほんとに90分しかなかった？

無意味に変なアングルを連発。

不自然な会話。

感情移入できない少年たち。

好きになれないヒロイン。

悲哀もカタルシスもない物語。

この世界の奥深さが微塵も刻み込まれていないアニメーション。

良いところを探す方が難しい。

アニメ版『時をかける少女』と比べればこの映画の出来の悪さが一目瞭然でしょう。


「もしも」の世界に没入していく度に世界が歪む。
だったら変なアングルは序盤は皆無にし、世界が変わる度に増やした方がわかりやすい。

正常な世界に戻った時に主人公の少年が不在なのだったら、もっとわかりやすく描いた方が良い。
(自ら現実世界を放棄したのか、夏休みを脱しきれないのか、好きな人を遠くにやった悲しみから休んでるのか、等)


様々な可能世界のたった一つを今まさに我々は生きている。
「あの時ああしていれば」の「ああしていれば」はもう二度と選択できない。

だからこそたった一つしかない今のこの世界は愛おしいし、そして絶望的なまでに悲しい。
「あの時ああしていれば今頃」と「あの時ああしなかったからこその唯一の今」とが幾重にも幾重にも積み重なっている。

それが『時をかける少女』ではとてもわかりやすく描かれていて、この映画では描かれていない。


この映画を見れば現実はもっと切なく、もっと豊潤で、夏休みはもっと少年を成長させ、もっと後悔させ、もっと愛おしいことを再確認することでしょう。

この世界の奥深さを確かめるためにこの映画の浅はかさを浴びよう。


【追記】

実写版を鑑賞しました。

こちらはタイムリープではなくifもので『スライディングドア』や『チェンジングレーン』と同じジャンルでしょう。

他にもいかにアニメ版が改悪だったのか良くわかりました。

小学生の頃の夏休みだからこそ描けた心の揺らぎがある。

大人にならざるを得ない少女。
離別を知り大人へなるであろう少年。
少年たちの達成されない冒険と、冒険したからこそ見ることができた奇跡のような瞬間。

先生だって打ち上げ花火が丸いか平べったいかなんてわからない。

ただ、下から見た少年と横から見た少年たちとでは丸っきり景色が違う。
それは、大人にならざるを得ない少年と、まだもう少し子供のままでいられる少年たちとの違いでもある。

下から見た打ち上げ花火は平べったいか。
横から見た打ち上げ花火は平べったいか。
それは見た者が体感することなのでしょう。

「原作レイプ」なんてはしたない言葉は使いませんし、実写化により原作を改変させられたところで原作の素晴らしさが翳ることはありません。
むしろ、原作の輝きはやはり絶対なのだと確信できるでしょう。やはりジョジョという漫画は物凄いのだと。


この映画で原作に興味を持つ方が増えたらとても嬉しいです。



以下ネタバレを含みます。







まず映画としてテンポが悪過ぎます。
セリフの言い方にこだわっているのか、出来事に対するスピードを殺してしまってます。
それが顕著なのが虹村形兆を倒す場面です。
原作では発射されたミサイルをクレイジーDで治すことで形兆にミサイルを撃ち返す展開です。
形兆はバッド・カンパニーへの命令が間に合わず爆撃を喰らいます。
実写版の場合、バッド・カンパニーに「一度出した命令は覆らない」という設定が足され、そのせいで形兆に戻ってくるミサイルへの射撃命令が通らずバッド・カンパニー達はオロオロします(オロオロする兵士たちはかわいかった)。

更には、仗助は康一に「時間を稼いでくれたおかげで」ミサイルを治せた、と言うのです。
体感時間で3分ぐらいしゃべってた気がしますが、この間延びした演出は映画として爽快感を失ってました。


ラストはなんとシアーハートアタックに形兆は殺されてしまいます。
口の中にいる爆弾を見て「ザ・ハンド使って取り出せよ」と多くの原作ファンが思ったことでしょう。
シアーハートアタックは原作では体温に近づくと爆発するので、形兆の身体に1分以上いたのは取り出す絶好のチャンスだったのに。
しかもシアーハートアタックを削って消滅させれば本体の左手を無くせたのに。
億泰は最大のチャンスを逃しました。

シアーハートアタックはその場にいる人全てを爆破してから本体に戻るものだと思うのですが、本体はどうやって形兆だけを判別し弓と矢と形兆を始末し、他の3人を残して戻っていったのか疑問です。


他にも、アクアネックレスに追い詰められた状況で自身のスタンド能力を大きな声で公表する承太郎や、バッド・カンパニーごときに勝てないアンジェロなど、不思議な点がちらほら。
屋外は海外で撮影されたそうで、BGMも西洋の雰囲気なのでまったく日本らしさがありません。
「普段生活してる隣人が実は…」のようなゾワゾワ感も一切無く遠い国のお話のようでした。

あと人型のスタンドは半透明にしないで欲しかったです。


原作を知らない人がこの映画を観て、映画として楽しめたのか疑問です。

2章も絶対見たいと思わせる映画でした。

承認を求める者から与える者へ



以下映画『獣道』のネタバレを含みます。




あえて描かなかったのかも知れないが、宗教の教義と教祖の逮捕理由を描いて欲しかった。

少女時代、彼女が幸福だったのは絶対的な存在に承認されていたからだった。
それゆえ周囲の信者も一目を置く。

ラストこれが逆転する。
教祖だった男はアナンダのマネージャーになり、アナンダは彼女の魅力で一目置かれる存在となった。

彼女がアナンダである場面は3つある。

最初は少女時代の宗教施設。
ここへは親に捨てられ入信した。

次は中学校に転校した時。
ここへは宗教施設を奪われ来た。

最後は人気AV女優。
全てを失った果てに到達した。


そう、彼女は失われていく度にステージを上げていく。

一目で凄い(ヤバい)存在とわかる亮太。見るからにヤバいヤンキーが一瞬で亮太を認めたり、優等生の少女が一瞬で惚れたりする場面でも強調されている。
その亮太が愛衣に惹かれるのは、愛衣が教祖となる存在だからだ。


お互いにビンタしながらも激しく求め合うシーンは明らかにキリスト教をモチーフにしている。
頬をぶつ相手ごと愛するのだ。


親に捨てられ、彼氏に捨てられ、一度埋葬され、胸をさらけ出してまで守りたかった優しい擬似父にも捨てられ、処女を失い、何も無くなった果てにAV女優として皆を赦し救う存在となる。


承認を求め続けることで全てを失い、全てを失ったことで承認を与える存在となる。

伊藤沙莉無くしては成立しない素晴らしい映画。

舞台『魔銃ドナークロニクル』初日を観劇してきました。

吸血鬼がテーマということを知り期待が高まる。
というのもモー娘。とスマイレージの舞台『LILIUM　少女純潔歌劇』が大好きで、こちらも吸血鬼のお話。
「リリウム」とはおそらく「リリス」と「サナトリウム」の造語。

では『魔銃ドナークロニクル』とは何かと言うと、人を不老不死の吸血鬼にしてしまうバイツを倒すための道具「魔銃」とその魔銃を使える適合者「ドナー」の物語ということ。
そして「クロニクル（年代記）という言葉が観劇後大きな意味を持つ。


魔銃に充填するのは呪われた血液とされるもので、そのマイノリティな血液型を持つ者は常に全身に痛みが走る奇病に蝕まれている。この血液がバイツにとって猛毒という設定だ。
妹のために戦う浅倉神酒と、才能を持つ者をバイツにする御船彼岸子の壮絶な血の戦争が始まる、かと思いきや物語はここから二転三転していく。

ネタバレをしないために多くは語らないが藤子不二雄『流血鬼』という漫画がとても参考になるだろう。
この漫画は、通常は忌み嫌われる吸血鬼だが、実際に噛まれ吸血鬼になると人間だった時よりも夜の美しい輝きを浴びることができ、吸血鬼同士幸福に人生を過ごすことができると描かれる。吸血鬼を殺そうとする人間こそが「流血鬼」という名の殺戮者だ、という指摘が込められているのだ。

100年生きない人と、1000年以上も生きる吸血鬼とではそもそも倫理観が違う。
人は人としての、吸血鬼は吸血鬼としての倫理観に沿って生きている。
『魔銃ドナークロニクル』でもバイツは理想に生き、ドナーは現実に生きる。
観客は人側の倫理観しか持ち合わせていないため、苦痛を抱えるドナーに感情移入せざるを得ない。
だが御船彼岸子の愛くるしいキャラクターと最後に明かされる真実により倫理観が揺らぐだろう。

この物語はいつから始まりいつまで続くのかわからない。だからクロニクルなのだ。



以下はネタバレ込みの「こうしてくれたら大好きだった案」です。
単純に僕の好きな展開、というだけです。



１、浅倉姉妹二人で血液充填すれば熱かった
姉の血液量が限界となったところで妹が血を差し出しましたが、ここは妹も出血多量で限界という展開にし、一発の弾丸に姉妹で半分ずつ出し合って魔銃に充填した、という流れにするとかなり高まります。

２、御船との約束はバイツになることだった
終盤で御船と浅倉姉がある約束をするのですが（観客にはこの時何を約束したかわからない）、バイツとなって千年王国に入れ、という約束だったらもっと深くなった気がする。
妹を救うために人を捨てバイツになる姉。妹は病気が治るが姉を失う。姉は妹が助かるが自身の生きる糧を失う。
そうして妹の血を飲んで死ぬとかドナーだった時の自分の魔銃で自殺するとかいろいろおもしろい（というか根暗？）な展開になってかなり高まります。

３、御船とハイネの関係性をもっと強烈に
ラストで御船の想いがわかるわけですけど、ここはとても素敵なのでもっとわかりやすくというかインパクトを強く描いて欲しかった気がします。
貴族種ハイネととバイツ御船の関係をもっと描かれていたらより感動的だったかなぁ、と。


ということでいろいろ書きましたけど単純におもしろかったです。
みなさんかわいいということもあってかなり引き込まれました。
マイクを使っていないので聞き取りにくい部分もありましたけど、120分があっという間で、チケット代が高いと感じませんでした。
お怪我や風邪などに注意して最後まで乗り切っていただきたいです。